Le théâtre d’Adrienne Kennedy en France et aux États-Unis : du texte à la scène / The Theatre of Adrienne Kennedy in France and the US: From Page to Stage




Version téléchargeable du programme :
The Theatre of Adrienne Kennedy in France and the US: From Page to Stage
Online seminar series, co-organized , by Lara Cox and Samuel Lhuillery (University of Toulouse- Jean Jaurès, France), as part of Axis 4 of the ANR ACTiF program, “Cross-referencing cultural differences“, focusing on the notion of otherness.
The playwright Adrienne Kennedy (born in 1931) strikes a blow right at the heart of US society in a unique and unforgettable form of theatrical writing, as Scott Brown notes in the New York Times (2022). Since the 1960s, she “has addressed the heart- and head sickness of racism, the confusion of sex and gender and the illusion of the self with incantatory paradoxes, visceral symbols, sidelong pop-culture references and violent contradictions[1]”.
Beyond the gendered, racial, and even aesthetic alterity that Brown indicates, Kennedy’s theatre has occupied a marginal place in the theatre sector both in the US and France. Her theatre has been studied widely in MFA theatre programs across US campuses, but her plays have not seen equal success on the American stage, as the organizers and participants of the digital festival dedicated to her work at the Round House Theatre in Washington D.C. noted (2020-2021). This is beginning to change. The COVID-19 pandemic provided Black, Indigenous and People of Color (BIPOC) theatre-makers with the opportunity to voice structural discriminations at a level of the theatre industry[2], and perhaps not coincidentally, Adrienne Kennedy saw her début on Broadway with her play Ohio State Murders in 2022.
In France, Kennedy’s work is virtually unknown: she is neither commonly studied in university settings nor has she gained widespread recognition on French stages—the only example being the production of her début play Funnyhouse of a Negro (1964) by Jean-Marie Serreau in 1968 (reprised in 1970.)
As an African American playwright whose plays concentrate on the lived experience of Black women, Adrienne Kennedy has seen herself doubly effaced in the historiography of US theatre: firstly because the Black Arts Movement of the 1960s was dominated by men (such as Amiri Baraka); secondly because the wider avant-garde movement of the period in the United States was populated largely by white people (including Edward Albee, who accompanied Kennedy in the workshopping and publication of her first play). This double alterity is a central theme in Kennedy’s work, which may be situated at the intersection of a critique of sexism and racism. Her psychologically fragmented characters attempt to reconstruct themselves by reappropriating cultural archetypes which they nonetheless struggle to identify with.[3]
This series of online seminars will bring together theatre-makers and scholars in order to study the process of transition of Kennedy’s plays from the page to the stage. Under the aegis of the French nationwide research project ACTiF (American Contemporary Theater in France) – and more specifically within its rubric “Cross-referencing cultural differences”, dedicated to the theme of Otherness – the seminar series will undertake a cross-cultural comparison of Kennedy’s plays in the US and French contexts, both historically (from the 1960s) and in the present moment. Our understanding of Otherness is non-prescriptive, referring – but not limited – to the playwright’s exploration of social alterity (gendered, racial, intersectional), her own cultural marginalization in US and French theatre sectors, or her literary and aesthetic experimentalism.
Often considered as “complex”, frequently described as “Surrealist” and associated with the “Theatre of the Absurd” or “intersectional theatre”, her works represent a challenge for theatre-makers concerned with audience responses and takeaways. How have creators dealt with the different aspects of alterity that inhere within Kennedy’s work – be it gendered, racial, intersectional, or aesthetic – in preparing her plays for a general and heterogeneous public of theatregoers? What is involved in the transition of Kennedy’s plays from the page to the stage? What aesthetic, literary, dramaturgical, socio-political factors need to be considered in the theatre production process of Kennedy’s work in the US and French contexts? More broadly: Why stage her work today? What might her theatre respond to in French and US contexts (culturally, politically, socially, aesthetically) both in the past and today?
[1] Scott Brown, “At 91, Adrienne Kennedy is finally on Broadway. What took so long?”. New York Times. December 2, 2022. URL : https://www.nytimes.com/2022/12/02/t-magazine/adrienne-kennedy-broadway.html
[2] See the manifesto « We See You, White American Theater » : https://www.weseeyouwat.com/statement
[3] See Lara Cox, « Black America in the Repertoire of Jean-Marie Serreau: Edward Albee, Adrienne Kennedy, and The Theatre of the Absurd’s Role in the Decolonization of the Stage », Coup de Théâtre n°23, Special issue: Performing Gender, Sexual and Racial Dynamics on the US Stage, 2023, p. 21-45.
Bio-bibliographies des intervenant·e·s
Lara Cox est maîtresse de conférences en études anglophones à l’Université Toulouse – Jean Jaurès. Son intérêt pour l’œuvre d’Adrienne Kennedy découle de ses recherches doctorales sur le théâtre de l’absurde. Elle est co-traductrice, avec Marie Lefebvre, de Funnyhouse of a Negro en français.
Roxane Driay est la metteuse en scène de la version française de Funnyhouse of a Negro prévue en 2026. Diplômée d’un Master 2 – Théâtre en Création à l’Université Paris 3 – Sorbonne Nouvelle, elle a suivi une formation d’interprétation dramatique aux Conservatoires du 13ᵉ et du 10ᵉ arrondissement de Paris ainsi qu’au Studio de Formation Théâtrale de Vitry. Elle a suivi plusieurs stages auprès notamment d’Eloi Recoing, Mirabelle Rousseau, Michel Azama et Joseph Danan. En 2019, elle fait partie du Labo Théâtral des jeunes artistes de la Colline, sous la direction de Frédéric Fisbach.
Elle a accompagné plusieurs artistes dans leurs créations en tant qu’assistante à la mise en scène ou dramaturge. Elle a ainsi collaboré avec Vincent Debost (sur le spectacle Fission au Théâtre de la Reine Blanche), Florian Sitbon (sur le spectacle Dans ses vents contraires puis sur Politique, Documentaire théâtral au Théâtre Lepic), Samantha Markowic (Théâtre Paris Villette), Daniel Conrod (pour le spectacle Ce qui fait du nous des humains à la MC93). En 2013, elle a présenté sa première création au Festival d’Aurillac. Ses projets sont par la suite joués au Théâtre 14, au Théâtre el Duende et au Théâtre de l’Opprimé.
Depuis 2018, elle co-dirige La Portée avec Pablo Dubott. Elle y a alterné mise en scène et interprétation au plateau, jusqu’en 2022 où elle est devenue la directrice artistique de la compagnie. Avec La Portée, Roxane Driay défend un théâtre tourné vers les écritures contemporaines, la rencontre des arts et des esthétiques affirmées. Elle fonde son travail de metteuse en scène sur les liens qu’elle construit avec des textes puissants, traitant de sujets de société. Son expertise dramaturgique est toujours nourrie par sa formation universitaire ainsi que son goût pour les grands classiques littéraires et théâtraux.
Deborah R. Geis est professeure de littérature anglaise à la DePauw University (Greencastle, Indiana, États-Unis). Ses recherches portent sur le théâtre contemporain, la littérature de la Beat Generation, les études culinaires, les études filmiques et le roman graphique.
Elle est l’autrice de nombreux ouvrages, parmi lesquels Postmodern Theatric(k)s: Monologue in Contemporary American Drama (University of Michigan Press) ; Suzan-Lori Parks (University of Michigan Press) ; Beat Drama: Playwrights and Performances of the “Howl” Generation (Bloomsbury/Methuen); Read My Plate: The Literature of Food (Lexington Books/Rowman & Littlefield) et Culinary Cinema: Appetite, Narrative, and Community in Contemporary Film (Lexington Books/Bloomsbury). Elle a également codirigé, avec Steven F. Kruger, Approaching the Millennium: Essays on “Angels in America” (University of Michigan Press) et dirigé Considering MAUS: Approaches to Art Spiegelman’s “Survivor’s Tale” of the Holocaust (University of Alabama Press).
Ses travaux actuels portent sur les « vies ultérieures » du poème emblématique de la Beat Generation, Howl d’Allen Ginsberg.
Kanel Jalta interprète le rôle de Sarah dans la production française de Funnyhouse of a Negro, Kanel Jalta est comédienne et metteuse en scène, formée aux Conservatoires Frédéric Chopin et du CRR de Paris, ainsi qu’au programme I ACTE du Théâtre de la Colline, où elle a notamment travaillé avec Valérie Dréville, Jean-François Sivadier, Nicolas Bouchaud, Caroline Guiela Nguyen et Emmanuelle Huynh.
Elle fonde en 2011 la compagnie Prise de Terre, en axant sa recherche sur cette question : « Quel est notre rôle politique en tant qu’artiste ? ». A travers des créations collectives et des mises en scène engagées, son travail scénique dialogue entre l’intime et le collectif.
Sur scène, elle interprète des rôles comme Agnès dans Chère Agnès (inspiré de L’École des femmes de Molière), mise en scène par Delphine Léonard au Théâtre de l’Odéon ; LA REINE dans La Pyramide de Copi, mise en scène par Mariana Dubeux de Campos à Anis Gras ; ou encore son propre personnage dans Croc’us, une création de la compagnie autour de l’art-thérapie, jouée au Théâtre de Belleville et au Théâtre Dunois.
Installée aujourd’hui dans le Tarn, elle est professeure et intervenante auprès de diverses structures (MJC d’Alban, Adda du Tarn, Maison des Familles Rurales). À travers ses spectacles et ateliers, elle développe un théâtre qui questionne notre rapport à la terre, la mémoire, les rêves et les luttes, connecté aux enjeux de son époque.
Emeline Jouve est professeure des universités à l’Université Toulouse-Jean Jaurès. Ses recherches portent sur le théâtre étasunien d’avant-garde. Elle est l’autrice de Susan Glaspell’s Poetics and Politics of Rebellion (University of Iowa Press, 2017), Paradise Now en Paradis : histoire du Living Theatre à Avignon et après (1968/2018) (Classiques Garnier, 2022 ; traduction en anglais, Routledge, 2026), Un siècle d’avant-garde étasunienne (Deuxième Epoque, 2025) et a publié le recueil Avignon 68 & le Living Theatre. Mémoires d’une révolution (Deuxième Époque, 2018). Elle est éditrice en chef de la revue électronique Miranda.org et co-responsable de la collection Nouvelles Scènes/Anglais pour les Presses Universitaires du Midi. Elle est présidente de l’International Susan Glaspell Society et de la société RADAC (Recherches sur les Arts Dramatiques Anglophones Contemporains), et coordinatrice de l’ANR ACTiF (American Contemporary Theater in France). Depuis 2023, elle occupe les fonctions de vice-présidente déléguée à la Culture de l’Université Toulouse-Jean Jaurès.
Marie Lefebvre est chercheuse et explore notamment les interactions entre les arts, le design et la communication dans l’élaboration de réponses aux défis sociaux. Après avoir soutenu un doctorat en design à Loughborough University (Royaume-Uni), elle a choisi d’utiliser ses aptitudes et ses compétences pour soutenir les survivant·e·s dans leurs parcours de guérison face aux violences de genre, en leur donnant la possibilité de se libérer du traumatisme des abus et de l’exploitation par le biais de la narration, de l’écriture créative, de la poésie et des arts visuels.
Issue d’une famille du monde du spectacle, elle a été marquée par les travaux de Philippe Adrien sur le rôle des rêves et la représentation des minorités sur scène. Sa co-traduction de Funnyhouse of a Negro avec Lara Cox marque sa première contribution à l’exploration du théâtre étasunien et à la promotion d’une plus grande représentation et compréhension de l’expérience noire sur la scène française. Elle vit actuellement à Leicester, au Royaume-Uni.
Samuel Lhuillery, ancien élève de l’ENS Ulm, est docteur en Études théâtrales de l’Université Sorbonne Nouvelle, où il a soutenu une thèse consacrée à Grotowski et la « Tribu » du théâtre rituel : réseaux, constellations, traditions et invention dans la pratique et la pensée théâtrales de Jerzy Grotowski, Eugenio Barba, Richard Schechner et Victor Turner. Ses recherches se situent au croisement entre l’histoire du théâtre et des avant-gardes théâtrales (XXème-XXIème siècles), l’anthropologie théâtrale et les performance studies – en s’intéressant particulièrement à la formation de l’acteur, aux dynamiques des transferts culturels et aux processus de réception et de circulation des œuvres et des techniques de jeu.
Carla J. McDonough est professeure assistante de littérature anglaise à la Belmont University (Nashville, Tennessee). Spécialiste du théâtre moderne et contemporain, elle développe une recherche à l’intersection du performance art, de la théorie de l’art, de la théorie dramatique et des études antiracistes, pour analyser la manière dont les dramaturges contemporains interrogent les récits culturels liés au genre et à la race.
Elle est l’autrice de l’ouvrage Staging Masculinity: Male Identity in Contemporary American Drama et de nombreux articles parus dans Modern Drama, Theatre Journal, Comparative Drama et The Journal of Dramatic Theory and Criticism.
Nita Nagpal Kumar est professeure de littérature anglaise. Membre du Department of English du SPM College (Université de Delhi), elle y a soutenu un doctorat consacré à la littérature afro-américaine. Lauréate d’une bourse Fulbright Senior Research Fellowship à l’Université Yale (États-Unis), elle y a mené des recherches sur la littérature afro-américaine féminine. Elle a également bénéficié de deux Mellon Fellowships pour des travaux d’archives sur Adrienne Kennedy et les minstrel shows au Harry Ransom Humanities Research Center de l’Université du Texas à Austin. Elle est l’autrice d’une trentaine d’articles et d’essais publiés dans des revues internationales telles que African American Review, Black Arts Quarterly, Journal of American Drama and Theatre et Theatre India: National School of Drama’s Theatre Journal. Elle prépare actuellement un ouvrage consacré aux dramaturges afro-américaines contemporaines.
Lois More Overbeck est chercheuse, spécialiste du théâtre moderne et contemporain. Elle est titulaire d’un Bachelor of Arts du Beloit College, d’un Master of Arts de l’Université de Chicago, et d’un doctorat de l’Université de Pennsylvanie en histoire du théâtre et littérature du XXᵉ siècle. Elle a enseigné le théâtre et la littérature anglaise dans plusieurs institutions américaines, dont le Claremont McKenna College, le Georgia Institute of Technology, la Georgia State University, le Agnes Scott College, le Spelman College et l’Emory University (Atlanta).
Rédactrice de The Beckett Circle pour la Samuel Beckett Society (1984-1989), elle a publié de nombreux articles sur Beckett et le théâtre moderne. Elle a été consultante pour le Beckett Festival of Radio Plays, directrice du festival collaboratif Beckett/Atlanta (1987) et coordinatrice de la Year of Beckett – 2006 à Atlanta, un festival réunissant spectacles, conférences et ateliers.
Elle a codirigé, avec Paul Bryant Jackson, le recueil Intersecting Boundaries: The Theatre of Adrienne Kennedy (University of Minnesota Press).
Avec Martha Fehsenfeld, George Craig et Dan Gunn, elle a co-édité les quatre volumes de The Letters of Samuel Beckett (Cambridge University Press, 2009-2016). Elle a également conçu et dirigé le site en libre accès Chercher (un outil de recherche et un index des lettres de Samuel Beckett publiées ou accessibles dans les archives publiques), hébergé par l’Emory University : https://chercherbeckettletters.emory.edu/. Ce projet a bénéficié du soutien du National Endowment for the Humanities, de la Florence Gould Foundation, de l’Emory University, de l’American University of Paris, ainsi que de diverses bourses et subventions d’archives.
Marc Robinson est le doyen de la Faculté des humanités (Dean of Humanities) et Malcolm G. Chace ’56 Professor of Theater, Dance & Performance Studies and English à l’université de Yale. Il enseigne également la dramaturgie et la critique dramatique à la David Geffen School of Drama. Ses ouvrages incluent The American Play: 1787-2000 (Yale University Press, 2009) et The Other American Drama (Cambridge University Press, 1994). Il a également dirigé plusieurs volumes de référence : Adrienne Kennedy: Collected Plays and Other Writings (Library of America, 2023) ; The Myopia and Other Plays de David Greenspan (University of Michigan Press, 2012) ; The Theater of Maria Irene Fornes (Johns Hopkins University Press, 1999) ; et Altogether Elsewhere: Writers on Exile (Faber and Faber, 1994). Son prochain ouvrage, American Performance in 1976, paraîtra dans la collection Theatre and Performance Theory chez Cambridge University Press.
Ses travaux ont été distingués par plusieurs prix, parmi lesquels le George Jean Nathan Award (2009) et le George Freedley Special Jury Prize (2010) pour The American Play ; le Lambda Literary Award dans la catégorie LGBTQ Drama (2012, pour The Myopia and Other Plays by David Greenspan) ; et le Betty Jean Jones Award pour son enseignement du théâtre américain (2004). Il est également Fellow du New York Institute for the Humanities.
OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
Samuel Lhuillery (28 octobre 2025). Le théâtre d’Adrienne Kennedy en France et aux États-Unis : du texte à la scène / The Theatre of Adrienne Kennedy in France and the US: From Page to Stage. ACTiF. Consulté le 13 janvier 2026 à l’adresse https://doi.org/10.58079/14rr0
